Darktable: Plugin de enfoque

Como siempre, me hace especial ilusión preparar tutoriales a la carta, a partir de peticiones o sugerencias de los seguidores del blog y/o el canal de Youtube. En este caso le tengo que agradecer a Jonathan Piñero Mulero la sugerencia para hacer este vídeo, dedicado al enfoque en Darktable. 

No se trata de un asunto menor, como demuestra el hecho de que haya vuelto a recurrir a la división en partes de este vídeo. El enfoque es un arte dentro del arte de la fotografía digital. Conocer los secretos del enfoque es una tarea que va a llevaros mucho tiempo, esfuerzo y errores si sois profanos en la materia. 

En primer lugar, me gustaría dejar claros algunos conceptos relativos al enfoque. Preparaos, que viene un tocho-artículo de los míos...

¿Qué es el enfoque?

El enfoque consiste básicamente en dotar de un contraste más alto a las zonas de detalle de la fotografía. En realidad no se trata de un enfoque auténtico, sino de una ilusión óptica que trata de imitar la nitidez con que el ojo humano percibe las formas y las líneas dentro de su rango de visión óptimo. 

¿Pero vamos a ver, necesito enfocar todas las fotografías?

Sí y no. Es decir, estamos en un país libre (¿no..?),  así que queda en tu mano enfocar o no, o hacer lo que te dé la gana, líbreme el señor. Además, por razones estéticas, a veces es conveniente cierto desenfoque o menor nitidez en las fotografías (por ejemplo, si buscamos efectos de envejecido, o estilos tipo Lomo). En el resto de los casos, el enfoque da al a fotografía un aspecto más natural a la imagen, y, por lo tanto, más atractivo. 

¿Pero qué cachondeo es este, mi cámara no enfoca bien o qué?

Asunto interesante... en realidad todas (o prácticamente todas) las cámaras vienen con un filtro de paso bajo delante del sensor que, según el fabricante, ayuda a evitar efectos no deseados como el moiré. Tenéis más información sobre este asunto aquí; el caso es que, por defecto, todas vuestras fotografías tienen cierto desenfoque provocado por ese filtro. Esto no es un problema si somos conscientes de este pequeño defecto y "reenfocamos" nuestras fotos de manera adecuada. desgraciadamente, no todo el mundo sabe esto, y el resultado son fotos desenfocadas por doquier. Este tema del filtro de paso bajo es objeto de polémica desde hace tiempo, y en realidad parece que los beneficios del filtro son escasos en comparación con los perjuicios que provoca. Si rebuscáis por Google encontraréis tutoriales para quitarle el dichoso filtro a vuestras cámaras, especialmente si se trata de DSRL. Aquí podéis ver el resultado en una Canon 5d.

Bueno, me quedo más tranquilo... entonces, ¿cómo se hace eso del enfoque?

De nuevo, la respuesta no es sencilla. Existen diversas técnicas para realizar el enfoque, y algunas de ellas están muy bien representadas en Darktable. Sobre el enfoque mediante paso alto ya hablé en un vídeo anterior, y el enfoque mediante ecualizador será objeto de un vídeo específico en unos días. Hoy le toca el turno al enfocador por excelencia: el plugin de enfoque. 

Este plugin nos resulta bastante familiar por su funcionamiento muy parecido al de la máscara de enfoque en Photoshop o Gimp. Efectivamente, nos encontramos con un sistema de tres deslizadores cuya forma de operar es, en principio, bastante sencilla. El objetivo es crear una "máscara invisible" que protegerá las zonas que no deseamos enfocar, y dejará expuestas las que se verán sometidas al efecto de contrastado local. Cada uno de los deslizadores tiene un cometido especial en este desempeño:

• Radio: Su cometido es el de establecer un límite en píxeles para el efecto, contando a partir de las zonas donde se establece. Es decir: una vez que aplicamos el contrastado, a partir de las zonas contrastadas se marca una "barrera" a partir de la cual no se contrastará más. A más radio, más amplitud del enfoque, o líneas más gruesas.

Demasiado radio: aparecen halos

• Cantidad: Autoexplicativo, su función es la de dar más o menos fuerza al efecto de contrastado. A más cantidad, más enfoque. O explicado de otra manera: a más cantidad, el contraste en las líneas es mayor; más oscura es la línea y más claro es el borde alrededor de esta. 
• Umbral: Parecido y complementario a radio, en esta ocasión marca el porcentaje de la fotografía que quedará protegido por el efecto. En este caso, más es menos: cuanto más umbral, menos zonas quedarán enfocadas. 

Sin umbral y con mucha cantidad, aparece ruido.

Entender cómo interactúan los parámetros con la fotografía y entre ellos mismos es la clave para realizar un buen enfoque. Así que empecemos por ver lo que no queremos conseguir.... Si nos pasamos con el umbral el resultado será una fotografía con halos. Los halos son esas bandas negras y blancas alrededor de las líneas de los motivos en la fotografía. Darktable es muy sensible con el radio, así que conviene no pasarse (normalmente entre 0,5 y 1,5 funciona bastante bien).La cantidad de halo dependerá de la combinación de radio y cantidad.

Por su parte, cantidad no es tan tiquismiquis, y podemos aplicar dosis generosas de este parámetro. No obstante, hay que tener cuidado, pues el exceso provocará ruido en zonas que no deseamos enfocar (normalmente un efecto de granulado en los cielos u otras zonas lisas). El ruido se controla mediante la combinación de umbral y cantidad. Generalmente una cantidad de 1 le va bastante bien a la mayoría de las fotos.

El último parámetro, como hemos visto, sirve para proteger zonas más o menos amplias de la fotografía. Su importancia dependerá de la cantidad que apliquemos a la fotografía y de las zonas en las que puede aparecer ruido. Este es otro deslizador muy sensible, y podemos limitarlo entre 0,2 y 5 como mucho.

Vale, he pillado el concepto pero... ¿Por cuál empiezo?

Cada maestrillo tiene su librillo... normalmente lo que hago yo es subir bastante la cantidad, por encima de uno. Bajo el umbral hasta que me aparece ruido, y corrijo cantidad o subo umbral. Luego paso a radio, hasta que me empiezan a salir halos, y vuelvo a corregir. Queda claro que mi técnica es la de la búsqueda de los límites de enfocado, con correcciones posteriores en rangos altos de enfoque. Creo que esta es una buena técnica si la imagen está destinada a impresiones grandes, aunque hay muchas más combinaciones, todas ellas válidas. Creo que lo más importante es no volverse loco moviendo los deslizadores al tuntún, esperando que milagrosamente aparezca la combinación ideal. Sea como sea, es conveniente que nos creemos nuestro "flujo de trabajo para el enfoque" y que lo apliquemos siempre de la misma manera. Así conseguiremos que el enfocado sea algo más automatizado, menos tedioso y, sobre todo, más rápido y efectivo.

Un momento... ¿Hay diferentes enfoques para impresiones pequeñas? 

Eso lo comentaré al final del artículo, paciencia.

Qué lío... Bueno, ¿algún truquillo de los tuyos?

Hay ciertas chapuzas que pueden ayudarnos en el proceso de enfoque. Como explico en el vídeo, utilizar el modo de fusión "diferencia" nos sirve como un sustituto bastante bueno de las máscaras que usa Lightroom para indicarnos sobre qué zonas trabaja el enfoque. En este caso, nos sirve sólo como indicador aproximado, y tenemos que procurar que las zonas blanquecinas de la fotografía queden sólo insinuadas y en todos apagados. Un tono blanco puro significa que nos estamos pasando con el enfoque. Tampoco sirve para marcar el ruido que provoca el efecto; sospecho que si se utilizase un color gris neutro seríamos capaces de ver más detalles, el azul de este modo de fusión es demasiado intenso y al menos a mi no me deja ver bien las líneas...  Otro truco interesante puede ser, y de nuevo nos metemos con los benditos modos de fusión, utilizar el deslizador de opacidad para rebajar el grado de aplicación del efecto. 

Apuesto a que eso no es todo...

Para nada. Antes ya avisaba de que el enfoque es un arte. Y esto es así no sólo porque los ajustes sean complejos, sino porque además el grado de enfoque va a depender también del tipo de fotografía y del propósito que le demos. Este es un tema realmente complicado y que a mi personalmente me pone un poco de los nervios. Al final gran parte del tiempo de procesado se va en estos rollos, y encima tenemos que tener varias versiones con diferentes enfoques de la misma foto si vamos a utilizarla de formas diferentes. La idea es que a mayor tamaño de fotografía, o a mayor distancia desde la que se va a contemplar, más enfoque tenemos que darle. La buena noticia es que esto se solventa en general sólo mediante la aplicación de un mayor radio, sin preocuparnos por el resto de parámetros. En este enlace tenéis una práctica calculadora de radio en función de la distancia y la densidad de píxeles por pulgada. Por cierto, la gestión de PPP (píxeles por pulgada, en inglés DPI, "dots per inch") es otra de las carencias de Darktable, que espero que se solucione un día de estos. Mientras carezcamos de una herramienta buena de tamaños de imagen y densidad de píxeles, estaremos atados a Gimp para realizar tareas avanzadas de impresión.
El tamaño de impresión también influye; las impresiones grandes necesitan un enfoque más potente, mientras que las pequeñas (las que van a parar a un álbum, para entendernos), requieren un enfoque más limitado. Este último parámetro está inevitablemente relacionado con el anterior: las fotos grandes se ven desde mayor distancia que las pequeñas. 

Por otro lado, si el objetivo que tenemos es sencillamente la publicación en internet de nuestras imágenes, los problemas son menores, y en muchas ocasiones no tendremos que tocar demasiado los parámetros predeterminados del plugin de enfoque, que, os recuerdo, viene activado por defecto, por si acaso se nos olvida enfocar. 

Ah, otro factor importante: el tipo de fotografía... Aquí es importante señalar que por "tipo de fotografía" no me refiero a conceptos como "paisaje", "bodegón", "desnudo", "desnudo porno", "desnudovergüenzaajena", etc. En realidad, a efectos de enfoque, lo que influye es el grado de detalle de la fotografía, o más técnicamente, el grado de frecuencias de detalle. De nuevo recurro a la misma página, donde, en inglés, nos explican el asunto de las frecuencias. Resumiéndolo mucho, tenemos que fijarnos en qué tipo de detalle tiene la fotografía (o qué tipo de detalle queremos enfocar). Una foto con detalles muy pequeños es una foto con frecuencias grandes y necesita un radio pequeño (el radio en teoría tendría que ser equivalente al tamaño en píxeles de los detalles más pequeños), mientras que una foto con detalles grandes o sin gran cantidad de ellos está pidiendo un radio más grande. En líneas generales, las fotos de paisajes suelen ser fotos de altas frecuencias de detalle, y las de retrato de bajas. Pero esto no es así siempre. Hay retratos que combinan altos con bajos detalles (el retrato de la mujer que uso en el vídeo es un buen ejemplo, y por eso tengo el problema del ruido en su tersa y bronceada piel), y paisajes con bajo detalle en general, y sean de la temática que sean, los valores de radio dependerán de este factor. 

Madre mía... Ya me dijo mi mamá que me dedicase a la papiroflexia...

Ya. Pero recordad, sarna con gusto...

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No dejará de sorprenderme...

...la solidaridad de la gente en ocasiones. No me refiero a otras muestras de esta rara y valiosa virtud que, por desgracia, tenemos todos muy presentes en las circunstancias actuales. De ese otro tema que nos obliga a todos a ser cada vez más una unidad frente a la adversidad (o mejor dicho, frente a un adversario, concreto y tangible, que cada vez conocemos mejor todos) prefiero no hablar, pues se supone que este blog no está orientado a asuntos políticos, económicos, sociales, humanos. Pero, en su pequeña escala, lo que os vengo a contar es otro ejemplo más de cómo, rodeados de egoísmos e individualismos y de tantos "ismos" repugnantes, a veces surge espontáneamente un instinto oculto, que tenemos adormecido, y que nos impulsa a echar una mano al pŕojimo, simplemente porque nos parece lo correcto y lo justo. Sólo por eso. No dejará de sorprenderme, y eso que por cuestiones laborales he estado metido hasta las cejas en terrenos dados a esta clase de pulsiones. 

A lo que iba. Esta historia lleva fraguándose desde hace unas semanas en lugares lejanos de internet, como este foro francés dedicado a la fotografía libre que os enlazo aquí. Descubrí este foro por pura casualidad, tras un comentario a uno de mis vídeos por parte de un seguidor que, en su lengua materna, se lamentaba de que no hubiese disponibles subtítulos en su idioma para seguir la serie dedicada a Darktable. En este foro comentaban lo mismo, y presencié desde la distancia cómo diversos foreros intentaban, en vano, localizar voluntarios con tiempo y conocimientos suficientes como para transcribir y subtitular los tutoriales. No pude evitar comunicar en el foro mi total disponibilidad para echar una mano en lo que hiciese falta, aunque mi prácticamente total desconocimiento de la lengua de Descartes me limitaba bastante; no obstante me ofrecí a aportar la transcripción de los vídeos, por si alguno podía traducirlos. Ahí quedó la cosa, cuando en la lista de correo de Darktable, a la que estoy suscrito surgió la misma cuestión. Casi convencido de que volvería a caer en saco roto, y frustrado por no poder comenzar el trabajo yo mismo, volví a ofrecer mi apoyo para comenzar la tarea. En esta ocasión, sin embargo, sí hubo varias personas que mostraron su intención firme de ponerse manos a la obra. Hablo de Paulo C. García y de Marie-Noëlle Augendre. El problema era que Paulo dominaba el español y el inglés, pero no el francés, y Marie-Noëlle el francés y el inglés, pero no el español. Por una vez me sentí útil, y encontré mi lugar en medio de esta improvisada cadena. El trabajo está siendo duro, pues no es tarea sencilla la transcripción, traducción, y codificación de textos tan largos. Pero ya ha dado sus frutos y finalmente hoy mismo he podido subir las versiones francesa e inglesa del primer capítulo de la serie. Tengo pendiente subirlos también en español, que he pensado que podría venirle bien a personas con dificultades auditivas y, por qué no, a quienes les resulte desagradable mi voz y prefieran ver los vídeos con algo de música o en silencio. 

Soy consciente de que a la mayoría esto le parecerá una anécdota sin importancia; pero qué queréis que os diga... No conozco de nada a esta gente, no creo que vayan a aprender nada de fotografía con mis tutos (si entráis en sus páginas veréis que son un par de artistas), en fin, no creo que saquen nada de esto salvo un dolor de cabeza de tanto traducir y, eso sí, cierta satisfacción interior por terminar un trabajo (parece que queda de esta gente también). Encontrarme con algo así hace que merezca la pena haber empezado los tutoriales. Y esto, supongo, es el software libre. Existe porque existe este tipo de personas. Quiero desde aquí agradecer a Marie-Noëlle y a Paulo el gran trabajo que están haciendo, su amabilidad en la comunicación y la paciencia que están teniendo con todos los malentendidos lingüísticos que provoco con mi torpe inglés y mi inexistente francés. 

P.D. Se va a instalar un Windows 8 la santísima madre de Steve Ballmer.

Cierre de fotografías con Gimp

El título puede sonar un poco presuntuoso, pero es el único nombre que se me ocurre darle a esta técnica, derivada de la aplicación de procesados por zonas en el revelado fotográfico. Esta quizá sea una de las cosas que más echo en falta en el programa que venía analizando hasta ahora, Darktable; creo que no es la primera vez que lo menciono: vendría genial una herramienta que nos permitiese editar partes de la fotografía y proteger otras. Herramientas de selección, capas editables, máscaras de capa, máscaras rápidas o pinceles son una serie de elementos que vienen muy bien para darle un toque final a la fotografía, o que pueden incluso suponer la base de un procesado fotográfico profesional. 

De momento no tenemos de eso en Darktable, aunque la próxima versión nos va a adelantar alguna herramienta que va por ese camino. Vamos a quedarnos en esta ocasión con el venerable Gimp, que aun trabajando en 8 bits es más que suficiente para lo que queremos hacer esta vez.

La idea es sencilla, como explico en el vídeo. El espectador de una imagen se encuentra solo ante ella. El autor no puede decirle "fíjate que textura más bonita" o "en lo que me fijé al hacer la foto fue en los ojos de la señorita" (puede hacerlo, pero se arriesga a quedar como un pesado o un idiota); en este sentido, el autor tiene que ingeniárselas para "acompañar" o "guiar" al espectador hacia los elementos más importantes de la imagen, los que constituyen el verdadero motivo. Para conseguir esto hay diversas técnicas, generalmente relacionadas con la composición y las configuraciones de exposición de la cámara. De todas maneras, a veces esto no es suficiente (o no lo hemos hecho suficientemente bien), y tendremos que recurrir a trucos como el que os describo en este artículo.
La idea es muy simple: se trata de oscurecer la zona que rodea al motivo principal, de forma parecida a la que se consigue con el viñeteo habitual. Darktable, desgraciadamente, tiene un plugin de viñeteo que, aunque es muy bueno y hace su trabajo, no me sirve para mi objetivo. El resultado mediante dicho plugin es demasiado parecido a un viñeteado real, y lo que quiero es que no se note que existe. Mi objetivo es que el espectador preste atención a la zona iluminada de la foto de manera inconsciente, y con el viñeteo de Darktable terminaría prestando atención al viñeteado en sí y no a lo que rodea.
Para solucionar esto tenemos varias posibilidades en Gimp:

• Selección libre: Es la herramienta más básica. Realizamos una selección a mano alzada alrededor del motivo, procurando que esta sea irregular. La clave está precisamente en aplicar un trazo sinuoso, de forma que el ojo no pueda percibir regularidades. Lo cierto es que estamos genéticamente predispuestos a fijarnos en las líneas armoniosas (sean estas curvas o rectas), por lo que esa irregularidad contribuirá a "camuflar" nuestra viñeta. Los pasos siguientes son: Invertir la selección con la combinación de teclas Ctrl + i; aplicar un difuminado (en la pestaña "selección") de una cantidad generosa de píxeles, que varía en función del tamaño de la imagen. Para dar con la cifra correcta tendréis que jugar a la prueba y el error, lo importante es que se produzca un difuminado uniforme y con un rango suficientemente grande para que se oculte aún más el efecto;  Aplicar niveles: si no usáis el HUD de Ubuntu los tenéis en la pestaña "colores". Corremos a la derecha el deslizador negro, oscureciendo las sombras de la parte seleccionada. Una vez terminado el proceso, trataremos de ocultar definitivamente el efecto con el deslizador de opacidad de la capa en la que lo hemos aplicado. Podemos corregir el oscurecimiento haciendo clic sobre la imagen y retocando los niveles de nuevo. 

Selección y Niveles

• Máscara rápida: aparece mediante la combinación Mayús + q. Una vez activada, la imagen se volverá roja, lo cual quiere decir que está completamente protegida. Para desproteger zonas y poder aplicar el efecto, pintaremos la máscara directamente con un pincel y el color negro. Es muy importante que pintéis con pinceles blandos (dureza 0); yo recomiendo que editéis uno orientado a esta clase de trabajos. Podemos corregir la máscara volviendo a proteger zonas pintando con el color blanco. También podemos trabajar con diversos niveles de opacidad en el pincel para proteger la máscara de forma graduada. Una vez terminada la máscara, continuamos con el proceso de aplicar niveles igual que con el método anterior. El resultado debería ser similar, con la ventaja de que podemos retocar la máscara rápida en cualquier momento. 
• Máscara de capa: Es un método un poco más sofisticado que el anterior, y bastante más "potente". Simplemente hacemos clic secundario sobre la capa y seleccionamos "añadir máscara de capa", rellenada de color blanco. Con la máscara seleccionada podemos hacer el conocido proceso de "proteger" / "desproteger" mediante alguno de los dos métodos que hemos visto antes: selecciones o pinceles. En el primer caso podemos aplicar un difuminado a la selección o utilizar el filtro de desenfoque gaussiano. Si optáis por la segunda opción, empezaremos con el color negro para las zonas protegidas, con un pincel blando. Podemos aplicar también desenfoque si no nos convencen los bordes de la máscara y, cualquiera que sea la opción que elijamos, podemos corregirla en cualquier momento con más pinceladas. Este es el método que recomiendo por ser el que más posibilidades brinda para desenfocar la viñeta y el que se puede corregir con mayor facilidad. El paso siguiente, el de siempre: niveles. 

El proceso termina ahí. Con algo de experiencia y siguiendo cualquiera de los métodos no debería llevar más de un par de minutos, y nos aseguramos de darle un "toque" tan sutil como importante al resultado final. Sabremos que hemos hecho un buen trabajo si nos cuesta distinguir los límites del oscurecimiento; tened por seguro que si vosotros apenas lo notáis, un espectador que no haya asistido al truco no sabría decir que existe. A diferencia del plugin de viñeteo de Darktable, la aplicación de niveles protege las altas luces, y además el difuminado del efecto y la aplicación irregular contribuyen a que pase más desapercibido. Este conjunto de elementos es el que diferencia esta técnica de cualquier viñeteado normal.

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Los más expertos en el uso de esta clase de técnicas seguramente estarán maldiciendo a mis antepasados, en el difícil caso de que hayan llegado a leer entero este artículo esperando alguna novedad extraordinaria. Sin embargo, creo que para los novatos todo lo descrito aquí puede servir de ayuda. Sea como fuere, recomiendo la lectura de Fotografía de Alta Calidad, donde se describe mucho mejor que aquí y más ampliamente las diferentes técnicas de retoque por zonas. Eso sí, usando Photoshop...
Los que sigáis mis tutos os habréis dado cuenta de que me he "escapado" de Darktable por primera vez. A partir de ahora ocurrirá cada vez más a menudo. De momento estoy en fase de "postproducción" de un tuto dedicado a un programa diferente (eso sí, de fotografía) y en desarrollo del que dedicaré a ese tema por el que habéis preguntado unos cuantos: la dichosa gestión del color. Este último podría haberlo hecho antes pero he creído que sería mejor hacerlo lo más completo y exhaustivo posible. Y para eso necesito dos cosas: hardware y conocimientos. Lo primero está al caer si las aduanas lo permiten. Lo segundo, va pasito a pasito.

Nota: si alguno de vosotros ha estado atento, habrá comprobado que he subido por error el vídeo "preparatorio" sin editar, tal cual como lo grabé en su momento... durísimo documento, menos mal que me he dado cuenta... Ahora ya podéis ver el vídeo editado en su máximo esplendor).

Ración doble de vídeos en este día. En primer lugar, una vídeocritica demoledora en la que me posiciono formalmente en la discusión eterna de : Call of duty vs Battlefield. El resultado, tendréis que verlo.

En segundo lugar, y una vez más, me pongo pedante hasta dormir a las piedras en un vídeo filosófico de amplio calado donde explico, sin mucha profundidad pero si con muchas ganas los principios de aquello que algunos llaman Tao. O en un plano más general, como la filosofía puede ayudarnos a cambiar nuestra forma de hacer las cosas.

Darktable: Procesado en Blanco y Negro

Vale, es cierto; el Blanco y Negro está pasado de moda, eso es de la época de Maricastaña, ahora lo que se lleva es el HDR y mapear tonos y el vídeo en 4k y mear colonia. Es cierto. Pero dejadme que me explaye un poco, cual yayo que soy (en comparación con gran parte de la población, en realidad estoy hecho un chaval), y que recuerde la época en que envidiaba a mis amigos con pasta que podían permitirse una réflex de carrete y que revelaban en casa y les salían unas fotos en B&N que en realidad eran una basura, pero qué demonios, habría matado por poder hacerlas. El caso es que gracias a estas demoníacas nuevas tecnologías el proceso de revelado se ha simplificado y, sobre todo, abaratado. Y claro, pudiendo revelar en color "ahí-to-saturao", que se quite el Blanco y Negro ese, que suena a viejuno. 

En fin, ya me he relajado. Ahora voy en serio. El revelado en Blanco y Negro tiene una serie de ventajas sobre el revelado en color. Algunas de ellas son técnicas y otras estéticas. Sobre las segundas no me voy a meter mucho, que es algo muy personal, pero a mi personalmente me siguen conmoviendo más las fotos en B&N que las fotos en color. Respecto a las ventajas técnicas, se hacen evidentes en cuanto tenemos cierta experiencia en el revelado. Los colores son un asunto muy delicado, y es muy fácil cargarnos la foto si traspasamos ciertos "límites invisibles" que padecen los canales RGB. Los colores demasiado saturados estropean las imagen, la luminosidad o el contraste altera la gama cromática... Encontrar el equilibrio es difícil y muchas veces nos quedamos con las ganas de dar "un paso más allá" en el procesado. Con el blanco y negro minimizamos estos problemas. El juego cromático, aun tratándose de escala de grises, se vuelve mucho más complejo y sutil, y a la vez los grises resisten mucho más los procesados más "brutos". Además, el B&N se convierte en una "tabla de salvación" en imágenes defectuosas, sobre todo las que padecen de ruido cromático por la elevada ISO o una exposición incorrecta. El maldito ruido cromático de las fotos en color se transforma en el romántico "grano" del B&N, y aplicando el filtro correspondiente el ruido cromático se disimula perfectamente. Ojo, que esto que acabo de decir es una trampa como un castillo de grande; pero bueno, mi intención no es presentarme a concursos de fotografía ni ser examinado por un grupo de expertos en retoque digital. Lo que deseo es que mis imágenes sean "visibles" y, en definitiva, que representen lo más fielmente posible las emociones que sentía cuando tomé tal o cual fotografía. 

Al final, por descontado, la decisión de pasar una imagen a Blanco y Negro es vuestra, y dependerá de vuestro criterio estético. Pero os invito a que experimentéis con este "estilo" fotográfico. Cual viejo mastín, no os defraudará. Pasemos a la acción:

El primer paso es previo al procesado propiamente dicho: debemos elegir la foto que pasaremos a B&N. Como he señalado antes, esta elección depende de muchos factores subjetivos, pero algún truco hay. En mi caso, suelo elegir fotos cuyos valores tonales no me resultan especialmente llamativos y aquellas fotos que presentan como sujeto principal texturas importantes: cortezas de árbol, rocas, naturalezas muertas, etc. A este tipo de fotografías les favorece el B&N porque la eliminación de la información de color hace que nuestro cerebro "complete" la información visual fijándose en el resto de detalles: luminosidad y texturas. En realidad yo creo que esta es la clave del B&N: se trata de un universo paralelo que juega con sus propias reglas, y que resulta inevitablemente fascinante a nivel inconsciente. 

Una vez seleccionada la fotografía, las posibilidades para la edición en B&N son numerosas, especialmente con Darktable y sus plugins "redundantes". Podemos desaturar la foto con Zonas de Color, jugar con el Mezclador de Canales o utilizar el Monocromo. En esta ocasión he optado por esta última solución.

• Exposición: Ajustes básicos de negros y de exposición. No tiene demasiada importancia, aunque sirve para hacerse una idea de las zonas que podemos subexponer, especialmente aquellas de las que podemos prescindir por carecer de interés. 
• Monocromo: Seleccionamos el plugin y buscamos el filtro de color que mejor le va a nuestra imagen. Generalmente a las imágenes con cielos les va bien los filtros rojos, por ejemplo. Lo bueno de Darktable es que la variedad de colores que podemos elegir es prácticamente infinita gracias a su ingeniosa interfaz con un círculo de selección expandible. Se maneja rápido, así que podemos entretenernos haciendo combinaciones. 
• Zonas de color: Aunque hemos perdido los colores, la información sigue ahí, así que podemos hacer modificaciones selectivas de la misma forma que haríamos en fotografía en color. Alterando valores de luminosidad y/o de tono cambiamos las variedades de grises y la luz de la foto. Es más fácil probarlo que explicarlo. Y en mi opinión es aquí donde reside la magia del procesado B&N. 
• Ecualizador: He elegido el preset "mejorar tosco" con alguna modificación en las zonas medias para aumentar el enfoque de la textura de la madera. De nuevo, el Blanco y Negro es tan sufrido que podemos saltarnos los límites que nos impone la dureza de procesado de este plugin normalmente. 
• Ruido: Esto es opcional, pero probablemente le irá bien si nos hemos pasado un poco con el procesado. Como siempre, valores pequeños en ambos deslizadores. 

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 Como de costumbre, otras modificaciones vienen a gusto del cliente; tan sólo me gustaría indicar el "curioso" hecho de que en este revelado no he utilizado herramientas básicas como Curvas o Niveles. La razón es simple; el contraste adecuado ha ido apareciendo a medida que realizaba el procesado, y a la hora de su finalización era innecesario añadirle más. Aunque habrá otras ocasiones en que le quedará bien cierto empujoncito, eso siempre os lo dirá el histograma su deja hueco en los extremos.

De momento esto es todo, esta vez no os dejo presets ni estilos ni nada de nada. En realidad este tuto era una excusa para rendirle un merecido homenaje al B&N, y darle sopas con ondas como rencoroso que soy a aquellos pijillos que me vacilaban con sus réflex de carrete hace años.

Estilos Darktable #3: saturación en LAB

Otro tuto cortito, en esta ocasión dedicado a un procedimiento clásico de saturación: la llamada "curva marciana". El nombre se lo dio el creador del método, el maestro Dan Margulis. Este experto en corrección del color ha dedicado parte de su carrera a pregonar las virtudes del espacio de color LAB; y sus argumentos resultan bastante convincentes: el espacio tradicional RGB tiene sólo información de color, por lo que las modificaciones de los diferentes canales alteran la luminosidad de la imagen; por su parte, el espacio LAB separa en canales diferentes la luminosidad del color, por lo que las alteraciones quedan aisladas y no interactúan entre sí. En realidad sería incorrecto decir que el espacio LAB es superior al RGB. En mi humilde opinión, cada uno tiene sus usos y es el fotógrafo el que debe decidir cuándo es ventajoso utilizar un espacio u otro para trabajar. Otro punto en contra del modo LAB es que se llleva bastante mal con el modo RGB; si alternamos estos modos demasiadas veces la imagen puede degradarse.

Y aquí nos encontramos con el curioso caso de Darktable, donde parecen estar convencidos de las ventajas del LAB sobre el RGB. Al menos eso es lo que he deducido tras comprobar que, de momento, no han desarrollado un plugin de curvas en RGB. Creo que la causa subyacente no es técnica (no creo que sea complicado implementarlo, no sé) sino que parte de la premisa de que LAB es más "limpio" a la hora de aplicar curvas de contraste o manipular los colores. En lo primero estoy de acuerdo, pero no tanto respecto a lo segundo; creo que es más fácil, o al menos más intuitivo, trabajar los colores mediante RGB que mediante LAB. Pero bueno, esto quizá se deba a desconocimiento mío. El caso es que con LAB sí que podemos hacer cositas con el color, como el conocido efecto "curva marciana". Si estáis interesados en un desarrollo teórico completo de este efecto, os recomiendo este artículo (aviso, está en inglés).

El desarrollo del efecto es bastante sencillo:

• Desactivamos la casilla "auto escalar color" que está en los canales A y B del plugin Curva Tono. De este modo aparece la curva que podemos modificar. 
• Momento frustrante: el siguiente paso es deslizar los extremos de la curva en ambos canales hacia el interior, de modo que obtengamos una pendiente más pronunciada de la curva y lo más simétrica posible. Aquí tengo que hacer una crítica a los desarrolladores del programa. el sistema de puntos de anclaje fijos convierte en un verdadero suplicio el ajuste fino de la curva. Hay que sudar para dejarla como queramos. Y además tampoco disponemos de casillleros numéricos donde introducir los datos exactos (como en Gimp o Photoshop), de manera que los cambios tendrán que ser a ojímetro. Esto es algo especialmente "peligroso" en efectos como este, que requieren de mucha exactitud para obtener el resultado deseado. No obstante, con algo de paciencia se consigue. 
• Desaturar el resultado. Esto lo conseguimos sin mayores problemas utilizando la mezcla, en modo normal, entre un 15% y un 30%. En el vídeo indico que el límite estaría en un 20%, pero haciendo pruebas con más fotos he visto que aguanta bien una mayor intensidad.

El resultado es muy semejante al de otros tutoriales que circulan por la red utilizando los programas tradicionales:

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En el lado negativo, gracias a esta técnica podemos darnos cuenta del error de diseño (a mi juicio bastante grave) que padece nuestro querido Darktable a la hora de manejar las curvas. Aunque, para ser justos, tengo que señalaros que en la próxima versión (que está a puntito de salir) han mejorado la interfaz de curvas y podemos crear puntos de anclaje personalizados con un simple clic. Rectificar es de sabios...

Termino este breve artículo indicando que, aunque he planificado este tutorial para la creación de un estilo, lo más cómodo sería crear un preset en el plugin de Curva Tono. En realidad no se utilizan más plugin, así que os recomiendo que, una vez descargado, lo activéis con alguna foto y guardéis el resultado como preestablecido en el plugin mencionado. Una vez hecho esto, ya podéis borrar el estilo. Creo que es lo más conveniente, ya que así nos acostumbramos a tener colecciones de presets conviviendo con los estilos. 

Sin más, os dejo el enlace de descarga; ya sabéis, clic derecho y "guardar archivo como...":

Saturación en LAB
Saturación en LAB 1.1 (para la nueva versión de DT)

Se acabo lo que se daba

Se han acabado los buenos hábitos. Al traste con lo políticamente correcto. Ya esta bien de la figura del filósofo buenrrollista. Elcanaldehijos tiene cosas que decir, y las va a decir alto y claro. Caiga quien caiga.

Comenzamos esta nueva sección poniendo las cosas claras sobre uno de los fenómenos más absurdos de youtube. El éxito inmerecido del vídeojuego Slender.

Hijos ha encendido la llama, ahora, que arda Troya!

Estilos Darktable #2: Efecto Orton

En el capítulo de hoy vamos a experimentar con una de las herramientas más curiosas y potentes de Darktable: los modos de fusión. Curiosa porque resulta extraño que una herramienta como esta aparezca en un programa de revelado, siendo más propia de suites de diseño como Photoshop, Gimp o Krita. Y potente porque multiplica las combinaciones creativas de nuestro proceso de revelado.

El experimento que llevo a cabo trata de imitar el resultado de un extraño proceso de revelado inventado por el fotógrafo norteamericano Michael Orton. Este proceso es conocido como "efecto Orton" (mola que un revelado tenga tu nombre, ¿eh?). El proceso original trato de explicarlo en el vídeo; no obstante, lo mejor es que os paséis por aquí para conocerlo. Se trata de un proceso sencillo, que en programas más complejos como los que he mencionado antes se soluciona con la aplicación de un par de capas con modos de fusión concretos. Darktable tiene de lo segundo, pero adolece de lo primero. De todas formas, haciendo probaturas se pueden conseguir resultados similares, de una forma igualmente sencilla:

• Curva tono: Aplicamos un contraste medio o lo subimos un poquito más acentuando la "s" de la curva. Esta capa la ponemos en modo "trama". El resultado es una foto sobreexpuesta. 
• Filtro de paso bajo: Ya sabemos que este filtro sirve para desenfocar la imagen. Así que le aplicamos un desenfoque ligero (lo que se pueda pero sin llegar a  dejar de percibir de qué imagen se trata). Podemos aprovechar el resto de deslizadores para conseguir diversos efectos. Modo "multiplicar", y compensamos la sobreexposición anterior. 
• Al gusto: todos los añadidos que queramos, aunque lo ideal es mantener esa sensación de "enfoque-desenfoque" y ligera sobreexposición de las Orton originales. 

 Ya veis que se trata de un efecto facilito. Para comprobar que el resultado es similar al de los procesos Orton clásicos, aquí os dejo una comparativa entre un Orton hecho con Gimp y otro hecho con nuestro revelador favorito:

Clic para ampliar

Como hice en el tuto anterior, os dejo el estilo para que podáis experimentar con el. Un detalle: fiel a mi estilo, he intentado que el efecto sea lo más sutil posible. En la comparativa anterior se puede observar que el efecto en Gimp (he utilizado el de FX-Foundry) "quema" más la imagen que mi procesado. En mi opinión el resultado de Gimp es más agresivo y menos "usable" que el mío, pero es cuestión de gustos. Jugando con los ajustes de los plugin y añadiendo los vuestros podéis hacer que sea más bestia.  

Efecto Orton (clic derecho y "guardar archivo como...")
Efecto Orton 1.1 (para la nueva versión de DT)

Las Gemelas Modelos

UnaDe25 esta en pleno proceso de cambio, renovarse o morir, que dirían algunos. Que si más tutoriales por aquí, un nuevo diseño por allá. Todo pensado para el mayor o más cómodo disfrute de este blog por vuestra parte.

Ahora bien, siempre que se produce un proceso de cambio,hay que ser conscientes de que los retoques no pueden ocultar o diluir la esencia propia. Y esto que aquí os traemos es un claro ejemplo. Llevaba 2 semanas sin poder llevarlo a cabo pero con todo aquí esta de nuevo. El glorioso Jueves de Escopetas ( el glorioso ya lo añado yo pues : "bien se alaba quien no tiene quien lo haga").

Estilos Darktable: Proceso Cruzado, Cruzado Inverso y Lomo

¡Esto es un no parar! Una vez terminado el "manual" de Darktable, le doy paso a algunos ejemplos de procesado, para repasar conceptos, profundizar en técnicas, flujo de trabajo, etc. He decidido empezar esta "miniserie" con uno de los procesados más típicos y vistos en internet: el proceso cruzado y variantes. 

La técnica del proceso cruzado, como indico en el vídeo, parece ser fruto de la casualidad o el accidente, al intercambiar los líquidos de revelado para diapositivas y películas normales. Los resultados de semejante desaguisado parece que nos gustan, el caso es que han triunfado y se han convertido en sinónimo de "efecto especial" o "estilo cool" en el ámbito fotográfico. 

Los elementos que se trabajan en el proceso cruzado afectan a la saturación, el tinte, el contraste y el balance de blancos. Vamos, a todo. En el fondo el proceso cruzado es uno de los más agresivos que se le puede dar a una fotografía, así que es normal que tengamos un buen desbarajuste entre manos. Para modificar estos parámetros la herramienta que se suele utilizar es la de curvas. Desgraciadamente las curvas que tenemos en Darktable utilizan el modo LAB, y para este efecto necesitaríamos el modo RGB. Bueno, tampoco pasa nada; podemos hacer lo mismo con un par de plugins:

•  Curva Base / Tono: El uso de la primera o de las dos depende del resultado que deseéis. Recordad que la curva base es una especie de "curva por defecto" que dependerá de vuestra cámara. Podemos añadir la curva tono para añadir contraste, con un predeterminado o a mano. El objetivo es darle un contraste un pelín fuerte a la foto. 
• Mezclador de canales: Aquí vamos a conseguir la tonalidad característica de este tipo de procesados. Vamos a alterar el tono azul en los tres canales, subiendo sólo un poco (0,1) el azul en los canales rojo y verde, y bajando el azul en el canal azul (0,8). El resultado es una imagen amarillenta. 
• Velvia: Aquí trabajaremos la saturación, simplemente activando el plugin puede ser suficiente; si queremos más, le damos un empujón. También podemos utilizar el plugin Zonas de Color para el mismo objetivo: basta seleccionar la pestaña de saturación, abrir el círculo de control al máximo con la rueda del ratón y subir la onda sin que quede demasiado ondulada. O si somos más detallistas, disminuir el tamaño del círculo y trabajar por tonalidades, subiendo las que nos interesen.
• Variaciones tonales: Nos falta uno de los detalles importantes, el tono azulado en las sombras. Activamos el plugin, seleccionamos un tono azul para las sombras y le subimos la saturación. El tono de las luces no lo necesitamos, así que le bajamos la saturación después de seleccionar un tono amarillo. Otra alternativa es utilizar la opción "levantar azules" del plugin "Visión nocturna" en el caso de que la foto quede demasiado amarilla.

¡Y esto es todo! En el vídeo doy pistas para añadir más efectos y pulir el resultado. Podemos usar el efecto resplandor para quemar las luces, podemos retocar las curvas y, por supuesto, que no falte darle enfoque. yo uso el filtro de paso alto, pero podéis usar el plugin de enfoque normal. También podéis probar el plugin ecualizador, no queda mal con el ajuste "mejorar tosco"; pero si usáis esto último os aconsejo que no le añadáis el paso alto, podría ser demasiado destructivo. Ni qué decir tiene que esto son sólo consejos. Además del gusto de cada uno, pronto os daréis cuenta de que cada foto tiene "su proceso" y que debéis adaptar las modificaciones a las características de cada imagen (luminosidad, contraste, composición, etc.).

A partir de aquí podemos, mediante pequeñas variaciones, realizar los siguientes estilos. El Proceso cruzado inverso da resultados parecidos al normal, aunque con un contraste muy bajo (sombras lavadas, que se dice) y colores desaturados. Para conseguir ambos efectos podemos jugar con las curvas (o con el sistema de zonas, que además es divertido) para rebajar el contraste, y con zonas de color para desaturar. Otra idea para desaturar el es plugin Corrección de color: seleccionamos la tonalidad y bajamos un poco la saturación hasta lograr el efecto deseado. Naturalmente, si usamos este método cambiaremos la tonalidad global de la foto, pero os aconsejo que lo probéis: obtendréis resultados más "personalizados" y quizá encontréis combinaciones de color que le vayan mejor a la foto, aunque no tengan nada que ver con un cruzado inverso. El resto de modificaciones va al gusto del consumidor.

El efecto Lomo, o lomografía, tiene un desarrollo muy similar al del proceso cruzado. Si leéis la entrada de la Wikipedia que os enlazo, podremos llegar a una conclusión: tanto el proceso cruzado como la lomografía son el resultado de chapuzas y defectos. Y estaremos en lo cierto: esto que está tan de moda es una bonita forma de desaprovechar unas cámaras digitales que están diseñadas para evitar precisamente esta clase de efectos. Que no digo que no molen, conste; simplemente me hace gracia que nos gastemos cientos de euros en cámaras del copón para luego empeorar (técnicamente) el resultado en el procesado... Cosas de las modas, supongo. Y siempre me parece mejor esto que un HDR mal hecho, desde luego. A lo que vamos: para conseguir una lomografía vamos a añadir el viñeteado a la receta del proceso cruzado. El plugin para tal fin que incluye darktable funciona realmente bien. No obstante, yo prefiero utilizar Gimp para esto. Las razones de esta elección y la técnica para realizar el viñeteado en Gimp serán asunto de otro vídeo. Por el momento haremos la viñeta con el plugin nativo. De nuevo, cada foto "pide" su viñeteado. Debemos modificar los diferentes parámetros hasta que quede ajustada, y no debemos olvidar que la viñeta debe centrar el motivo, así que no tengamos miedo a mover su posición. Aunque en el vídeo no lo indico, en el estilo definitivo también altero el valor de saturación del viñeteado. Esto es porque, además de viñetear, las cámaras lomo tenían la curiosa propiedad de "saturar hacia el centro", dejando las zonas exteriores de la fotografía con tonos más pastel.

A continuación tenéis el resultado de cada estilo en una composición. El orden de los efectos es: Foto original, cruzado inverso, cruzado normal y lomografía:

Yayoflauta lomificado

Personalmente yo identifico este tipo de procesados más bien con la falta de imaginación y la necesidad de estar a la moda, pues de un tiempo a esta parte este tipo de efectos invaden la red de una manera exagerada. ¿Y entonces porqué empiezas por estos? Buena pregunta, amigos. Creo que es un buen comienzo para coger una costumbre desde el principio: los estilos están para cambiarlos, adaptarlos, deformarlos... prefiero no seguir, que puedo acabar como uno que me sé yo. En fin, que os paso este grupito de estilos para que a partir de ellos creéis los vuestros, sin más. Recordad siempre que al cargar un estilo los plugins que se utilizan en el mismo quedan reflejados en el grupo de plugins "Módulos usados en el procesado", el que se indica con el simbolito de "encendido y apagado", vaya. Un buen punto de partida es alterar estos valores para ir adaptando el efecto a la fotografía que estéis tratando. Otro elemento importante es fijarse si tenéis activada la Curva Base. La Curva Base, que se encuentra en el grupo básico, suele estar activada por defecto, pero por si acaso verificad que lo está. En función de su activación el contraste de la fotografía puede variar un montón. 

Por último, y para finalizar uno más de mis kilométricos artículos, os dejo los enlaces de descarga para poder bajaros los estilos. Recordad que la instalación es fácil: en el plugin de estilos le dais al botón de importar y buscáis el archivo del estilo que habéis descargado. Ah, una cosa más. al crear un estilo se pueden añadir etiquetas en la segunda casilla de la ventana emergente:

Estas etiquetas facilitarán la búsqueda de estilos cuando tengamos un montón almacenados y no recordemos el nombre del que queremos agregar (quizá se me olvide la palabra "lomo", pero aún así puedo buscar un estilo "moderno", "cruzado", viñeteado", etc.):

  

Tenedlo en cuenta, las etiquetas son el mejor amigo del fotógrafo. Y ahora sí, los enlaces de descarga:

Proceso cruzado

Cruzado inverso

Lomografía

Y si tenéis la versión 1.1:

Proceso cruzado
Cruzado inverso
Lomografía

Insisto en que estos estilos son sólo sugerencias destinadas al aprendizaje y la práctica con el programa. Estoy convencido de que vosotros podéis mejorar estos procesos, alterando sus parámetros o introduciendo otras modificaciones. Os invito desde aquí a que compartáis vuestros propios estilos; si queréis que figuren en nuestro blog y estén disponibles para su descarga, podéis enviárnoslos a nuestra dirección de correo: unade25@gmail.com. Y así podréis pasar a la historia y lograr la fama inmortal, qué demonios.

(Artículo dedicado a Lario, que en un acto profético digno de Nostradamus adivinó el contenido de este tuto)

Lavado de cara al blog

 

Si sois visitantes habituales de este humilde blog seguro que os ha sorprendido el nuevo formato de la página. La explicación de esta metamorfosis es sencilla. De un tiempo a esta parte la longitud de los post se ha ido alargando, y el fondo oscuro con letras claras termina provocando desagradables efectos ópticos (yo al menos termino viendo rayas blancas por todas partes). De modo que en el equipo hemos decidido pasar a un estilo "negro sobre blanco" y lo más minimalista posible. De entre todas las opciones nos hemos quedado con la nueva "vista dinámica" de blogger. No es en absoluto configurable, no hay forma (que sepamos) de añadir widgets ni historias. Contáis con una barra lateral a la derecha de la pantalla con opciones básicas de navegación, sindicación rss, y poco más. Y en el lado izquierdo un botoncito para cambiar la vista, aunque a nosotros sólo nos convence la clásica. 

En fin, nunca llueve a gusto de todos, así que no esperamos que el cambio le guste a todo el mundo. Pero nos quedaremos satisfechos si con este cambio evitamos que alguno de vosotros tengáis que ir al oculista por nuestra culpa... Esperamos leer vuestras opiniones, o sugerencias de otras plantillas que os parezcan más adecuadas. ¡Al menos el cambio de look es gratis!

Tutorial Darktable #9: Módulo Captura

Toda aventura tiene su final, y la de la serie de tutos sobre Darktable acaba de llegar al suyo... Una vez hecho el repaso completo al módulo Cuarto Oscuro, le toca el turno al de Captura, que es muy sencillo y tiene pocos elementos. Los vamos a ir viendo a continuación.

Oido Cocina.

Hay días a los que a uno le apetece hacer el tonto y olvidarse de vegüenzas y tonterías. Este ha sido uno de esos.

Perder he perdido, pero me he divertido tanto con el juego como hacia mucho tiempo que no pasaba. Y es que amigos, así deberíamos tomarnos siempre los videojuegos. Como lo que son, formas de entretenimiento y diversión sin más.

Tutorial Darktable Especial: Gestión avanzada de la Biblioteca

Como de costumbre, lo prometido es deuda. El amigo Lario me solicitaba algunas aclaraciones sobre el funcionamiento de la biblioteca fotográfica de Darktable, y he preparado este video para profundizar en la gestión de nuestras colecciones de fotos. 

La gestión se realiza en el módulo Mesa de Luz, y responde a las necesidades de los fotógrafos amateur avanzados o de los profesionales de contar con herramientas para clasificar y etiquetar sus fotografías, de forma que se puedan realizar búsquedas rápidas y de la manera más eficiente posible. Darktable, en ese sentido, cumple sobradamente con las expectativas, aunque como suele pasar con otras herramientas del programa, es cuestión de acostumbrarse a sus peculiaridades. Veamos lo más importante:

Lengua Franca

Siendo un indudable éxito de ventas, la saga Call Of Duty se ha colado en los rincones más insospechados.
Ahora mismo todos conocemos a alguien que juega asiduamente a este juego pero ¿ es proporcional su dominio en el ámbito del youtube con respecto al número de ventas? o por el contrario ¿esconde oscuros secretos que lo hacen dominar entre todo el entretenimiento virtual?.

Un intento de responder a todo esto, en este vídeo.

Tutorial Darktable #8: Plugins Grupo Efecto

Este es el penúltimo vídeo de la serie dedicada a Darktable (más algún extra que haré, pero ya fuera de la serie). Le toca el turno a un grupo de plugins cuyo destino es el de realizar las modificaciones más radicales y discutibles en nuestras fotografías. Y como este grupo tiene un montón de herramientas, será mejor que vayamos por partes y de una en una:

UnadeCast #4 Versión Podcast

¡Hola amigos!

Aquí estamos de nuevo con el podcast del equipo. Hemos tardado un poquito más de la cuenta en lanzarlo, pero ya sabéis que el podcast es una cosa que nos tomamos con mucha calma y sin ninguna prisa. O sea, que no esperéis que haya una regularidad por que eso desvirtuaría la idea inicial de anarquía que rige nuestro pequeño programa de radio online. 

No me enrollo más, y paso a los contenidos, que en esta ocasión son de lo más sencillo. Hemos preparado un programa monográfico dedicado a Alien; la saga de películas, los cómic, los videojuegos.... este bichito ha generado en torno a si un auténtico universo paralelo lleno de vísceras, sangre y bichos con aspecto de cangrejo que te devoran la cara. O sea, que mola mucho. Tanto que el compañero Angelus ha decidido darlo todo y en esta ocasión se apropia de gran parte del programa para describiros con profundidad todos los detalles del cosmos alien. Hijos, por su parte, se ha quedado con la parte videojueguil y hará un repaso a la cantidad de juegos que han visto la luz a lo largo de casi tres décadas. Son un montón y hay de todo, ya veréis. Yo por mi parte he intentado hacer un repaso de la filmografía de los directores de las dos primeras partes de la saga: Ridley Scott y James Cameron. Y de paso trato de combatir los ataques injustificados de Angelus. O sea, que seguimos en la línea autodestructiva que caracteriza al equipo de Unade25. ¡Todo sea por la audiencia! 

Sin más, os dejo los enlaces:

Descarga directa (clic derecho y "guardar archivo como...")

Archive.org

Ivoox


...Y, como de costumbre, los enlaces a Jamendo para las músicas empleadas en el programa:

• What's inside - Michael McEachern
• She makes love come tumbling down - Playhaus
• Inigo (extended version) - The Wavers